“Scars, broken porcelain, and other preludes” [by Viviana Ramos]

“I believe that what we become depends on what our parents teach us in small
moments, when they are not trying to teach us. We are made of small fragments of wisdom.”

-Umberto Eco-


In a hyper-consumerist and capitalist society, stagnant in melodies of propaganda and cell phone notifications, of stickers oversaturated with brilliant colors, of signs, advertisements, purchases, sales, and programmed obsolescence, it is normal to get up in the morning, dizzy, confused, and break a coffee cup. If this happens, we automatically think “it doesn’t matter, I’ll buy another”. When breaking a coffee cup there are no major consequences, it’s true; if only it were that simple with the painful stories that shape part of our lives. Certainly, it’s not possible to erase or eliminate our memories and our lives as easily, all the memories and childhood recollections, losses, separations, sorrow, among other harsh experiences that we have all lived through. In this sense, the Japanese in the 15th century discovered a way to restore ceramic using lacquer dusted with gold, which has transformed into something more than a practice of craft, becoming a whole philosophy of life. In Kintsugi it is not about replacing, mending, or repairing something broken to conceal its defect or imperfection, but on the contrary, it transforms the object into something beautiful given its condition; celebrating its antiquity, history, trauma, defects. In this way, its transcendental symbolism finds in beauty a better aesthetic connotation based in values that are not replaced, without transforming its aesthetic essence, evoking the erosion of time on all things physical, the mutability of identity and the value of imperfection. In this same way, these twenty-four preludes for violin and piano by Lera Auerbach possess the fragility, and at the same time the edge and roughness, of small, broken porcelain fragments, which patience and love have reconstructed in new forms of art through the artisan fingers of Ksenia Nosikova and Katya Moeller: the Avita Duo.

These pieces throughout the years have been integrated into the repertoires and discography of artists like Gidon Kremer, Vadim Gluzman, Daniel Hope, Jacques Ammon, and Angela Yofee, among others. Unlike other works with cyclic structures, serials, and other preludes, perhaps the greatest charm that many of artists find in Auerbach’s works lies in the complex sound fused with the softness and newness of the American world and the powerful weight of Russian music. There, Mussorgsky appears at times, accompanying us to those landscapes that the composer takes us to through acoustic reminiscences. Another great Russian composer, Stravinsky, mentioned in his Poetics of Music that “one word or one syllable or a single sound. That goal which one tries to reach and does not reach. However, the road in between, that long road with an unknown end that we find with difficulty, is what moves us in the life of a creator”.

How right he was!. According to tradition, the poetic sensibility and cultural depths of these preludes are uncommon for this genre in general, almost technical exercises. The versatility and frequency with which they are interpreted reflect the preference of the interpreters for this series of pieces, given that they are particularly expressive. Therefore, the first, third, and eight preludes are very unique, with a subtle and rare beauty that at moments appears to float in a lunar weightlessness. In contrast, numbers four, five, and fourteen are impassioned gestures of tradition and pay homage to the great generations of virtuosos and concertos that have written for violin.
The dramatic structure and narrative that is found in these preludes cannot be thought of in this manner except by someone who also knows literature. Thus, the narrative tone is a connecting thread that guides us through these scenes, written for these characters: The violin and the piano. Those that know their Aphorisms published in “Excess of Being”, can feel at times the same sensation from these brief, concrete messages; very poetic and reflexive. In this way, we can say that these twenty microforms are small, poetic, musical ideas and yet they enter into complete parody in relation to their content, which explores the grand genres and sounds of Western classical music. Given here is a very interesting relation between content and form, that demonstrates technical control and a particular boldness that permits the composer to combine and mix artistic languages in unique and innovative forms.

As we know, the prelude is a short piece without an apparent defined structure or form that serves as an anticipation to “grand” musical forms. But in these preludes the work between content and form has been very fascinating from the gaze of those reviewing tradition and the great written forms for the two instruments of greatest importance in the literature of western concert music. The great thinker Marshall McLuhan once said that “the form of media is embedded in whatever message is being transmitted or transported, creating a symbiotic relation in that the media influences how the message is received.” In this particular case, the Avita Duo chose for these preludes a structure that minimizes their formal artistic-aesthetic presumptions, but in fact, the way their content is being played shows that these are wonderful pieces for violin and piano. It turns out then, in a very ironic metaphor, to address intimacy, autobiography, introspection, and the self. This synthesis of musical language seems to pierce the compositions written by Auerbach to these short preludes, where every one creates a chapter and all together they shape the story. Such is the concision that is achieved in this cycle, escaping technicalities, tradition, formality, and structural convenience.

In the summer of 1999, when this series was born from the mind and hands of Auerbach, it did not yet have the beautiful nuances, time, and vision that great artists have brought to it. Today, every prelude constitutes a piece of a past life, a story real or imagined, a distant sound of a whistled melody, a fragment of someone’s forgotten memory; it is an aphorism, it is a scar on the terrain of a body lying under the sun.

The complexity of accepting a new recording project with works that have been extensively addressed in music and in distinct interpretations supposes an incessant palimpsest exercise, where that revision of the gaze of others and the self lends complexity to its aesthetic transformation, giving it every time a new and greater value, like the pieces of ceramic in the Japanese Kintsugi technique.
Therefore, between the Avita Duo’s introspections and outbursts, we find ourselves in the vibrating and branching paths of the violin strings. In this pair, united by close ties — mother and daughter — Katya Moeller contributes with her violin to this new assemblage of sounds all the energy, determination, and spontaneity of her young age. Despite her youth, she has already been deemed worthy of important awards and national and international mentions. Her closeness to the compositions included in this disc provides newness and confidence, she brings skill to the pieces and a very enjoyable “natural” realness, succeeding in these pieces being perceived in a different way. There is a brutal intensity in the sound, which provides a very updated vision of the violin as the predominant classical instrument and the music that surrounds us today in general. The contemporary and transgressive gaze of youth is always an added value in a review or renewal of art. This revision incorporates particular nuances in the pieces, noting and emphasizing facets, ways of watching and listening that previously, perhaps, were not so evident as they are in this performance by the Avita Duo. With little more than ten years spent playing together, here they manage real moments of a modest, soft, colorful, lyricism that evokes visions of the great Russian ballets or the experiences that accompany the monochromatic images of silent movies. This can be felt in some of the pieces, like the sixth, seventh, and eighth. Also, in the eighth and ninth, the combination of the movements of the bow contrasts frequently with moments of pizzicato, where we go deep into flashes of folklore forgotten by “developed” societies.

These twenty-four preludes, quasi-aphorisms of music and language of the piano, leave us with a very literary and narrative taste that invites us to go on a stroll through those dense forests of the world of the composer and their many voices. Small haikus of being, that dwell between painful, subtle, melancholy bowstrings. These are the hands of the Avita Duo discovering a truly varied spectrum of colors. Certainly notable are the colors achieved by the piano, a percussive element that Ksenia Nosikova offers to us. The traces of Russian sound that emanate in this outstanding interpretation are unforgettable. The echoes that live in her piano at times take us to Christmas night from Tchaikovsky’s Nutcracker and all of the magic that surrounds it. It appears to be something simple, but in reality it requires a high level of skill to play the range of nuances that these twenty-four preludes demand from the emotions and from the soul. Ksenia achieves it masterfully, spontaneously, genuinely, and fearlessly. She does this in such a degree that for the second part of these “miniatures”, in pieces sixteen and seventeen, we arrive at the sphere of spectralism, at dreams of loss or desolation.
Practically, the margin of sound blurs these preludes that stretch and cover time until the second structural part of the CD. After these very lively twenty-four preludes for piano and violin, we arrive at the fragmented world of “Oskolki”.
“Oskolki detstva” (Fragments of Childhood), was the original title of the biography published by Gidon Kremer in 1995. Maybe, this book so personal to Kremer was the principal source of inspiration for Auerbach to write her ten pieces for violin and piano of the same name. Sounds that fade, phrases that branch away, fragments that are forgotten. The in-tune sounds are replaced by aggressive clusters that paint an abstract, slightly figurative, surreal atmosphere, where just like the sounds, identity and memories seem to be lost, broken down. Their specters float in the air. There are no phrases, but only words, laments, doubts, uncertainty. But just like in life, not everything is pain and despair. Our own spirit, although at times in pain and defeated, pushes us forward, always toward the glow of hope. You can feel some of these moments, slight and suddenly transient, like the shadow of a cloud, but full of optimism and love for life.

We want this CD to arrive to us in the spirit of Kintsugi, a powerful metaphor of the importance of resistance, resilience, and our own love in the face of life’s adversities. Listening to the pieces is also a poetic way of healing wounds of the past and finding beauty in the scars they left behind. Beyond the ugly marks are the lines always reminding us of the experiences lived by us and by others. The path that we decide to follow from there depends on each of us, on how we can reimagine our future. Why not do it listening to this CD!?

“Cicatrices, porcelanas rotas y otros preludios” [by Viviana Ramos]

“Creo que aquello en lo que nos convertimos depende de lo que nuestros padres nos enseñan en pequeños momentos, cuando no están intentando enseñarnos. Estamos hechos de pequeños fragmentos de sabiduría”.

-Umberto Eco-


En una sociedad hiperconsumista y capitalizada, adormecida en melodías propagandísticas y notificaciones celulares, de pegatinas sobresaturadas de colores brillantes, de anuncios, publicidades, compras, ventas y obsolencias programadas, es muy usual levantarse una mañana, mareado, confundido y que se nos rompa la tasa del café. En ese caso pensamos automáticamente “no importa, compro otra”. Con la tasa del café no hay mayores problemas, cierto, pero ojalá fuera tan sencillo con las historias dolorosas que forman parte de nuestras vidas. Recuerdos y remembranzas de infancia, pérdidas, separaciones, duelos, entre otras duras experiencias que todos hemos vivido, ciertamente no son posibles de borrar o eliminar de nuestra memoria o nuestras vidas tan fácilmente. En este sentido, los japoneses encontraron desde el siglo XV, una manera de restaurar cerámica usando un barniz polvoreado con oro, que se transformó en algo más que una práctica artesanal, llegando a ser toda una filosofía de vida. El Kintsugi, no se trata de reemplazar, remendar o reparar algo roto y ocultar así su defecto o imperfección, sino por el contrario, convertir el objeto en algo hermoso dada su condición; celebrar su antigüedad, historia, traumas, defectos. De esta manera, su simbolismo trascendental encontró en la belleza una connotación estética superior, basada en valores que no sustituyen, sino que transforman la esencia estética, evocando el desgaste que el tiempo obra sobre las cosas físicas, la mutabilidad de la identidad y el valor de la imperfección. De igual forma, estos veinticuatro preludios para violín y piano de Lera Auerbach, poseen la fragilidad y al mismo tiempo el filo y la aspereza de pequeños fragmentos de porcelana rota, que con paciencia y amor son reconstruidos en nuevas formas de arte, a través de los dedos artesanales de Ksenia Nosikova y Katya Moeller; el Avita Dúo.

Estas piezas a lo largo de los años, han sido incorporadas al repertorio y la discografía de artistas como Gidon Kremer, Vadim Gluzman, Daniel Hope, Jacques Ammon, Angela Yofee, entre otros. Quizás, el mayor encanto que muchos de ellos encuentran en las obras de Auerbach, a diferencia de otras obras de estructuras cíclicas, seriales u otros preludios, radique en esa sonoridad compleja, fusionada de la suavidad y frescura del mundo americano y el peso imponente de la música rusa. Allí, Musorsky asoma a ratos, acompañándonos por esos paisajes que nos hace transitar su autora en estas reminiscencias acústicas. Otro gran creador ruso, Stravinski, mencionó en su “Poética Musical”, que «una palabra o una sílaba o un solo sonido. Esa meta a la que uno intenta llegar y no llega. Sin embargo, el camino que hay en medio, ese largo camino ciego que con dificultad encontramos, es lo que nos conmueve en la vida de un creador».

 Cuánta razón tenía.  La sensibilidad poética y la profundidad cultural que habitan en estos preludios, son raros para este tipo de género, cuasi ejercicios técnicos, según la tradición. La versatilidad y asiduidad con la que se interpretan, hablan del gusto de los intérpretes por esta serie de piezas, dada su particular expresividad. Así, muy especiales son los preludios primero, tercero y octavo, con una sutil y rara belleza que por momentos parecen flotar en una ingravidez lunar. En contraste, el número cuatro, quinto y catorce de ellos, son gestos exaltados de tradición y homenaje a los grandes géneros virtuosos y concertantes que se han escrito para el violín.
La estructura dramática y narrativa que encontramos en estos preludios, no pueden ser pensados de este modo sino por alguien que también conoce la literatura. La narratividad, es un hilo conductor que guía estas escenas, escritas para estos personajes; el violín y el piano. Los que conocemos sus Aforismos, publicados en los “Excesos del ser”, a veces podemos sentir la misma sensación de esos mensajes breves, concretos; muy poéticos y reflexivos. De esta forma, podríamos decir que esta veintena de microformas son pequeñas ideas musicales poéticas y que sin embargo entran en total parodia en relacion a su contenido, que explora grandes géneros y sonoridades de la música clásica occidental. Se da aquí una relacion muy interesante entre contenido y forma, que demuestran dominio técnico y una audacia muy particular que le permite a su autora combinar y mezclar lenguajes artísticos en formas únicas e innovadoras.

Como sabemos, el preludio es una pieza breve, sin una estructura o forma definida aparente que sirve como anticipación a “grandes” formas musicales, pero en estos preludios el trabajo entre contenido y forma ha sido bien interesante desde una mirada revisionista de la tradición y las grandes formas escritas para los dos instrumentos de mayor protagonismo en la literatura de la música occidental de concierto. Un gran pensador, Marshall Macluhan expresó una vez que “la forma de un medio se incrusta en cualquier mensaje que transmita o transporte, creando una relacion simbiótica en la que el medio influye en cómo se percibe el mensaje”. En este caso en particular, la autora escogió para ellos una estructura que minimiza desde lo formal sus pretensiones artístico-estéticas, pero en realidad, por la manera en que están trabajados en su contenido, destacan grandes piezas para violín y piano. Resulta pues, en una metáfora irónica más, para abordar el intimismo, lo autobiográfico, lo introspectivo, el yo. Esta síntesis del lenguaje, parece que traspasa las letras escritas por Auerbach hasta estos cortos preludios, donde cada uno hacen un capítulo y todos juntos conforman la historia. Tal es la concreción que se logra en este ciclo, escapando de tecnicismos, de la tradición, de la formalidad y de la conveniencia de su estructura.
Cuando esta serie nació -en el verano de 1999- de la mente y las manos de su autora, no tenían los matices de belleza que el tiempo y la visión que estos grandes artistas le han ido aportando. Hoy día, cada preludio constituye un pedazo de una vida pasada, una historia ¿real o imaginada?, un sonido lejano de alguna melodía silbada, un fragmento de recuerdo que alguna mente olvidó; es un aforismo, es una cicatriz en la geografía de algún cuerpo tumbado al sol.

La complejidad de asumir un nuevo proyecto discográfico con obras que han sido extensamente abordadas en música y en distintas manifestaciones, supone un ejercicio de incesantes palimpsestos, donde esa revisión de las miradas de otros y la propia, tal como pedazos de cerámica en la técnica japonesa, no aportan sino complejidad en la propia transformación estética, dándole cada vez, un nuevo y mayor valor. Así, entre introspecciones y explosiones, encontramos en estos caminos de las cuerdas que vibran y se bifurcan al Avita Duo. En esta pareja, unida por estrechos lazos -madre e hija-, Katya Moeller aporta desde su violín a este nuevo fonograma, toda la energía, determinación y espontaneidad propios de su corta edad. Pese a sus pocos años, ya ha sido merecedora de importantes premios y menciones nacionales e internacionales. Su aproximación al programa incluido en este disco aporta frescura y desenfado, dándole soltura a las piezas y un realismo “naturalista” muy disfrutables, logrando que estas piezas sean percibidas de manera diferente. Hay una intensidad brutal en su sonido, que aporta una visión muy actualizada del violín como instrumento predominantemente clásico y sobre las músicas que nos rodean hoy día, en sentido general. La mirada contemporánea y transgresora de la juventud, siempre es un valor añadido en una revisión en artes, pues incorpora matices particulares a las piezas, señalando y resaltando aspectos, modos de mirar y escuchar que anteriormente, quizás, no eran tan evidentes, como hacen en esta propuesta las integrantes del Avita Duo. Con poco más de diez años ya creando juntas, logran aquí verdaderos momentos de un lirismo mesurado, suave, muy coloreado, que evoca muchas de las visiones de los grandes ballets rusos o las prácticas de acompañar imágenes monocromáticas del cine silente.
Así pueden sentirse en algunas de estas piezas como en la sexta, séptima y octavas. También, en la octava y novena, las combinaciones de fraseos de arco en contrastes muy frecuentes con momentos de pizzcato, nos adentra en flashazos de recuerdos de un folclor ya olvidado por las sociedades “desarrolladas”.

Estos veinticuatro preludios cuasi aforismos de la música y del lenguaje pianístico y violinisticos, nos dejan un sabor muy literario y narrativo que invita a pasear por esos densos bosques del mundo de su autora y sus múltiples voces. Pequeños haikus del ser, que habitan entre estas cuerdas dolorosas, sutiles, melancólicas. Asi es la gama de colores que encontramos de las manos del Avita Duo, realmente muy variada. Son ciertamente notables los colores logrados desde el piano, trabajado como elemento percusivo que nos ofrece Ksenia Nosikova. Es imborrable, la huella de la sonoridad rusa que emana del pianismo de esta destacada intérprete. Los ecos que habitan su piano, por momentos nos llevan a la noche de pascuas del cascanueces de Tchaikovski y toda la magia que lo envuelve.  Parece algo sencillo, pero realmente se requieren muchos recursos para mutar en todos los sutiles matices temperamentales y psicoanímicos que demandan estos veinticuatro preludios. Ksenia, lo logra magistralmente de una manera abierta, espontánea, sin máscaras ni recelos. Tal es asi, que para la segunda parte de estas “miniaturas”, en las piezas dieciséis y diecisiete, llegamos a terrenos del espectralismo, las ilusiones perdidas o la desolación.      Prácticamente, al margen del sonido, se desdibujan estos preludios que se extienden en el tiempo hasta la segunda parte de la estructura seleccionada para esta discografía. Después de estos muy vívidos veinticuatro paseos sonoros para violín y piano, llegamos al mundo fragmentando de “Oskolki”.

“Oskolki detsva” (Fragmentos de la infancia), fue el titulo original de la biografía publicada por Gidon Kremer en 1995. Quizás, este libro tan personal de Gidon fue la principal fuente de inspiración de la autora para escribir sus diez piezas para violín y piano, del mismo nombre. Sonidos que se desvanecen, frases que se bifurcan, fragmentos que se olvidan. Los sonidos afinados son remplazados por closters agresivos que dibujan una atmósfera abstracta y poco figurativa, surrealista, donde al igual que los sonidos, la identidad y los recuerdos parecen perderse, descomponerse. Flotan en el aire sus espectros. No hay frases, sino palabras, lamentos, dudas, incertidumbre. Y como en la vida misma, no todo es dolor y desesperanza. Nuestro propio espíritu, aunque a veces adolorido y derrotado, nos empuja hacia adelante, siempre hacia la luz de la esperanza. Así, pueden sentirse algunos de estos momentos, leves y súbitamente pasajeros, como a la sombra de una nube, pero muy cargados de optimismo y amor por la vida.

Deseamos este CD llegue a usted en el espíritu del Kintsugi, potente metáfora de la importancia de la resistencia, la resiliencia y del amor propio frente a las adversidades de la vida. Escuchar estas piezas, significa también una forma poética de sanar las heridas del pasado y encontrar belleza en las cicatrices que dejan, más allá de feas marcas, son las líneas que nos recuerdan siempre las experiencias vividas por nosotros y por otros. El camino que decidamos seguir desde ahí, depende de cada uno de nosotros, de cómo podemos re-imaginar nuestro futuro. ¿¡Porque no hacerlo escuchando este CD!?



“María” [by Viviana Ramos]

“Stabat Mater” (del latín “estaba la madre”), ha sido uno de los temas literarios con mayor número de versiones, adaptaciones, creaciones y recreaciones musicales posibles en todos los géneros y formas a través de los siglos y las épocas. Ninguna otra mujer, ha sido tan glorificada en toda la historia humana. El controversial tema sobre la realidad de ¿quién fue María?, ha ocupado a los creadores más importantes de todos los tiempos y de la actualidad, a través de la literatura, la pintura, la música, la escultura, el cine, la danza, entre otros.
Aunque Lera Auerbach, no es poseedora de una profunda vocación religiosa, no deja de ser atraída por las figuraciones de esta enigmática mujer y por todo el simbolismo que la envuelve. Así, en 2005, crea sus “Diálogos en Stabat Mater”, sobre un tema de Pergolesi, donde intentó establecer un marco de intercambios entre el siglo XVIII y el XXI, a través del mismo tema. El desafío, también resultó en un cambio de medios, ya que era interés de su autora llevarlo a una zona más instrumental, más abstracta, aunque conservando el mismo espíritu de la obra original de Pergolesi:

«La imagen de la madre afligida es universal, al igual que el dolor, aunque sus expresiones pueden variar en función de los antecedentes culturales o religiosos».

Con este trabajo y su temática, al mismo tiempo muy personal, la autora ya concebía una puesta en escena donde pudiera ser recreada en mayores niveles, la vida y la historia de esta mujer universal, pero no es hasta principios de 2019, donde queda claro que la obra sobre la vida de María, debía ser un ballet. Visitando New York, Auerbach se reúne largas jornadas con Diana Vishneva, la gran bailarina rusa y debaten largo tiempo en el estudio de ésta, sobre la figura de esta mujer y la verdad detrás  de su historia, más allá de lo que de ella se conoce. Allí, entre fascinación y complicidad, nace la idea de crear una obra escénico-danzaria llamada “María”. Así, en la idea conjunta de estas dos grandes creadoras y mujeres rusas, se define el destino de “Diálogos en Stabat Mater”, un obsequio de su creadora para esta puesta en escena en una visión más amplia, compleja, contemporánea y controversial de quien pudo haber sido realmente María.
Si hablamos de creación, de sacrificio, de búsqueda de la verdad, de identidad, es fácil entender este interés y fascinación por parte de estas dos grandes creadoras, también grandes amigas.

El ballet es uno de esos mundos fascinantes, donde la interpretación de personajes e historias, supone la creación de arquetipos y leyendas que marcan de por vida la carrera y la vida personal de sus creadores. Así, ha sucedido con grandes mujeres de la historia como el personaje “Gisselle”, de la cubana Alicia Alonso, el “Bolero” que inmortalizó a Maya Prinseskaya y así se espera de su sucesora Diana Vishneva con “María”, en esta coreografía de Goyo Montero.
Ahora bien, esta puesta, propone en su solo nombre, múltiples posibilidades y lecturas. Quizás, la santa virgen resuma la esencia y el aura espiritual legada por las sagradas escrituras y la religión cristiana, de aquella mujer virtuosa, sacrificada, amante y cuidadora eterna de sus hijos, de la familia; del hogar. Pero, podemos decir que este ballet se basa en la virgen ¿María Nazarena? madre de Jesús, o en ¿María Magdalena? «la mujer quien fue una pecadora» según los apóstoles o quizás ¿el más significativo de todos ellos?, “apóstol de los apóstoles” o tal vez, sencillamente ¿un diálogo entre todas ellas?.